Historia da Arte - Slides

 

A percepção estética e o espaço compositivo

 

- O que é arte?

Criação humana de valores estéticos (beleza, equilíbrio, harmonia, revolta, delírio, fluxo criativo) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos, sua cultura, seu processo criativo, seu talento artístico e outras coisas;

É um conjunto de procedimentos utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos nossos conhecimentos.

 

Como a arte se apresenta?

Sob variadas formas como: a plástica, a música, o cinema, o teatro, a dança, a arquitetura, etc.;

Pode ser vista ou percebida pelo homem de 3 maneiras: visualizadas, ouvidas ou mista (audiovisual);

O artista precisa da arte e da técnica para se comunir.

 

A arte como transformadora do pensamento

- Nos faz repensar nossos posicionamentos socioculturais e artísticos;

- Busca a análise dos objetos de arte em percursos históricos, pois de alguma forma a arte interfere na sociedade e ao mesmo tempo, recebe influências do meio em que está inserida.

 

Por que estudar a história da arte?

●        Entender e refletir sobre as principais correntes da crítica de arte;

●        Entender os objetos artísticos;

●        Compreender a arte na relação homem X mundo;

●        Pensar e analisar os movimentos cultural-artístico e estético de diversos tempos e sociedade;

●        Criar conhecimentos significativos sobre a humanidade.

 

Quem é o artista?

A pessoa que cria objetos para:

- Satisfazer as suas necessidades práticas – arte utilitária;

- Como meio de vida para que o mundo saiba o que pensa;

- Para divulgar as suas crenças (ou as de outros);

- Para estimular e distrair a si mesmo e aos outros;

- Para explorar novas formas de olhar e interpretar objetos e cenas.

 

O que são artes plásticas ou belas-artes?

São criações expressivas realizadas com o uso de técnicas de produção que manipulam materiais para construir formas e imagens que revelem uma concepção estética e poética de um dado momento histórico.

Os primeiros registros das artes plásticas no mundo datam da pré-história e as variadas manifestações artísticas que surgiram até os dias atuais acompanharam a evolução da humanidade com características específicas e também comuns a cada cultura.

Atualmente, a arte é utilizada das mais diversas maneiras, tanto para expressar emoções, sentimentos e desejos do artista, como para censurar ou criticar temas polêmicos em voga. Para isso, são usados todo tipo de material: papel, gesso, tinta, argila, metais, madeira, além de instrumentos tecnológicos.

 

Estética:

Do grego aisthésis, percepção do que é considerado belo, a produção das emoções pelos fenômenos estéticos, bem como: as diferentes formas de arte e da técnica artística; a ideia de obra de arte e de criação; a relação entre matérias e formas nas artes.

Por outro lado, a estética também pode ocupar-se da privação da beleza, ou seja, o que pode ser considerado “feio”.

 

“Quando eu te encarei frente a frente não vi o meu rosto

Chamei de mau gosto o que vi, de mau gosto, mau gosto

É que Narciso acha feio o que não é espelho

E à mente apavora o que ainda não é mesmo velho

Nada do que não era antes quando não somos Mutantes”

 

Exemplos:

O homem mais feio do mundo se chama Tang Shuquan. Ele domina os movimentos conhecidos como “face pulling”.

O Moba (Museum of Bad Art, ou museu da arte ruim) foi criado quandoo vendedor de antiguidades Scott Wilson encontrou, em uma lixeira da cidade, a pintura do retrato de uma senhora de vestido azul, em 1994.

 

Por estética, entende-se a linguagem usada para fins estéticos com base na imaginação de quem cria ou aprecia o resultado dessa criação.

 

O que são artes visuais?

Por arte visual compreende-se o estudo e tudo aquilo que é analisado ou percebido pelo olhar de maneira criativa.

O pensador (Francês: Le Penseur) é uma das mais famosas esculturas do bronze do escultor francês Auguste Rodin, em 1904)

 

Funções das artes visuais

A criação de materiais visuais é diversificada porque são múltiplas as necessidades humanas. Podem ser de ordem prática, comum ou podem estar voltadas para a expressão de um estado de espírito ou de uma ideia.

A maioria das produções visuais buscam registrar, preservar, reproduzir e identificar pessoas, lugares ou objetos objetivando ampliar o processo de comunicação humana.

 

** Apropriação da obra David, de Michelangelo – MC David (escultura do palhaço do Mc Donalds**

 

A arte visual e o design atuam ao representar visualmente uma forma, cor ou representação, estando presente no teatro, música, cinema, fotografia e demais expressões. Nos tempos atuais, além de atuar no segmento artístico, também exercem papel fundamental na representação visual comercial, de empresas e instituições públicas.

Toda arte apreciada pelo olhar é conceituada como arte visual, abrange a pintura, desenho, gravura, fotografia, cinema, escultura, arquitetura, web design, moda, decoração e o paisagismo. Lida com o caráter teórico e prático do estético, seja o estilo do belo, do funcional ou do fazer pensar.

 

Elementos básicos da comunicação visual:

- Ponto: sinal gráfico mínimo e elementar, caracteriza-se por uma localização em um espaço, quando colocados em fila, criam a ideia de uma linha. Multiplicados, ampliam seu poder de comunicação e expressão, bem como sua disposição, distanciamento e cor, sobre uma superfície, sugerem ideias, sensações, movimento, ritmo, luz, sombra e volume.

- Linha: é uma marca contínua ou com aparência de ser constante, também pode ser definida como um ponto em movimento, quando traçada com a ajuda de qualquer instrumento sobre uma superfície, chama-se linha gráfica. As linhas definem as formas e as figuras, é o sinal mais versátil e essencial do desenho, pois pode sugerir sentimentos, movimento, ritmo, velocidade.

- Forma: Em artes visuais, existem três formas básicas:  o quadrado, o círculo e triângulo equilátero. Cada forma possui características específicas, e a cada uma delas, se atribui grande quantidade de significados. Todas as formas básicas são figuras planas e simples, a partir das combinações e variações dessas três formas, derivamos todas as estruturas físicas da natureza e da imaginação humana.

- Direção: Todas as formas básicas expressam três direções visuais básicas e significativas: o quadrado, a horizontal e a vertical;

- o triângulo, a diagonal;

- o círculo, a curva.

 

- Tom: intensidade da obscuridade ou claridade de qualquer coisa vista, perceptível graças a presença ou ausência relativa de luz.

 

As diferentes formas de arte

Arquitetura

- Arte de construir;

- Construir de alvenaria ou outro material que serve de abrigo, moradia, religião, política e assim por diante;

- As obras de arquitetura de um país, época, tendência.

 

Escultura

- Arte de transformar a matéria, entalhando a madeira, o barro, o ferro, o bronze, o mármore e entre outros;

- Representação em relevo nas estátuas, figuras, etc. Imprimindo-lhe uma forma particular.

 

Artes menores

- São assim chamadas não porque são menores no conceito artístico, mas porque são portáteis;

- Na maioria das vezes são objetos artísticos com função utilitária.

 

Pintura

- Arte de aplicar cores sobre diferentes superfícies para criar uma imagem ou desenho figurativo, imaginário ou abstrato.

 

Música

- A arte de se exprimir por meio de sons, seguindo regras variáveis conforme a época, a civilização e assim por diante.

 

Processo de diálogo com o trabalho do artista

O artista: tem uma mensagem e toma decisões

O trabalho: obra de arte

O apreciador (você): exige esforço, dedicação e diálogo com o trabalho, então pergunte-se: qual o tema? Quais matérias utilizados? Quando e onde foi feita? Como são as cores? Já vi algo parecido?

 

Análise estética

- Ponto, linha e forma;

- Material;

- Claro/escuro;

- Textura;

- Luz;

- Cor;

- Movimento;

- Espaço;

- Estilo;

- Tema;

- Autor e data;

- Fatos destacáveis da época;

- Influências....

 

Superfície

- É um elemento bidimensional, isto é, apresenta duas dimensões: comprimento e largura;

- As superfícies podem ser planas, curvas ou vazadas.

 

Cor

- As cores simbolizam os sentimentos do artista e podem ser usadas de várias formas;

- Sangue, extratos vegetais, têmpera, sintéticas.

 

Estilo

- É como o trabalho se mostra depois do artista ter tomado suas decisões;

- Cada artista possui um estilo único;

- Os artistas e as pessoas que registram as mudanças na forma de se fazer arte, no caso os críticos e historiadores, costumam classificá-las por categorias e rotulá-las;

- É um procedimento comum na arte ocidental. Ex: Renascimento, Cubismo, Pop, Art, etc.

 

Opinião da professora:

- Para entender a arte, é preciso mudar a visão em relação ao mundo, ao outro, ao diferente, ao tempo;

- Para entender a arte é preciso estar aberto ao conhecimento;

- Para entender a arte é preciso mudar sua visão sobre a vida!

 

Anotações desta aula:

Percepção estética é uma recepção rápida da arte. Saber reconhecer o que é, da onde é. Acredito que saber diferenciar.

 

O que é arte?

- Criação humana

- Possui símbolo estético *beleza relativa*

- Traz sentimentos

- Tem história

 

Como a arte se apresenta?

- Varias formas de linguagem

 

A arte é uma forma de comunicação, e precisamos de repertório para entende-la.

 

O que são artes plásticas ou belas artes?

- Tudo o que tenha uma mensagem, concepção estética, crítica.

Ex: Roda de bicicleta (reconfigura objetos e cria uma obra de arte).

 

Arte Visual

- Tudo que é percebeido pelo olhar de maneira criativa.

 

Realismo – Aula 4

Como era os temas dos artistas antes do realismo?

*Pesquisar

 

Com o realismo:

- Uma maneira de agir;

- De interpretar a realidade;

- Predominou na segunda metade do século XIX;

- Caracteriza-se pela objetividade;

- Por uma atitude racional das coisas;

-1850 e 1900 – pintura francesa;

- Se desenvolveu ao lado da crescente industrializaçao das sociedades.

 

Características:

- O cientificismo;

- O sóbrio e o minucioso;

- A valorização do objeto;

- A expressão da realidade e dos aspectos descritivos.

 

Pintura:

- Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza;

- Representaar o mundo de maneira documental;

- Ao artista não cabe “melhorar” artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é;

- Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade.

 

Temas da Pintura

- Politização;

- Pintura social – contraste entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia;

- Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica.

 

Arquitetura

- Novas cidades urbanas criadas pela industrialização;

- As cidades não exigiam mais ricos palácios e o templos;

- Precisavam de fábricas, estações, ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários quanto para a nova burguesia;

 

- Auguste Rodin – não se preocupou com a idealização da realidade.

 

 

 

Arte Rupestre

Se hoje os pintores compram suas tintas e pincéis, no passado suas ferramentas eram bastante diferentes. Utilizavam terra colorida, sangue e pelos de animais para criar imagens de silhuetas de grandes feras em paredes e tetos de escuras e quase inacessíveis cavernas.

Usa-se o termo arte rupestre para designar as ínumeras pinturas encontradas no interior de cavernas pré-históricas por todo mundo.

Mas será que os desbravadores dessas cavernas que a usavam como tela para seus desenhos tinham a intenção de fazer arte?

Esta é uma questão quase imppossível de responder, hoje tratamos essas representações como arte em função das suas qualidades técnicas, no entanto a hipótese mais aceita entre os historiadores é de que, nossos antepassados pensavam e criavam essas imagens como algo, acima de tudo, utilitárias.

Assim é quase certo que nossos antepassados não penetrariam cavernas tão inacessíveis com o simples propósito de decorá-las.

A sugestão mais viável para tal feito é de que esses homens e mulheres primitivos que viviam essencialmente da caça, acreditavam no “poder das imagens” que desenhavam, ou seja, eles imaginavam que criando imagens de suas presas em situação de caça, os animais reais também se renderiam às suas caças.

Assim as criações dessas imagens poderiam servir como uma espécie de magia para uma caça bem sucedidade.

A maioria dessas pintnuras, feitas com restos de carvão, pigmentos de plantas e terra colorida, combinadas ao sangue de animais, representavam animais selvagens, pessoas, geralmente em situação de caça, plantas e símbolos abstratos.

Para tanto usavam pincéis feitos com pelos de animais e as próprias mãos. Em outros casos, suas mãos serivam como uma espécie de carimbo nas paredes.

Em muitos países do mundo encontram-se cavernas com pinturas rupestres, uma das mais famosas cavernas – Lascaux – localiza-se ao sul da França e foi descoberta em 1940 por um grupo de jovens.

Assistir ao doc. De Werner Herzog: Caverna dos Sonhos esquecidos (realizada na caverna de Chauvet)

Mesmo assim é difícil afirmar com exatidão o significado e função dessas imagens, exceto que elas nos trazem valiosas pistas acerca da cultura e modo de vida dessas antigas civilizações e, principalmente, que nossos antepassados possuíam uma capacidade simbólica, intelectual e artística similar ao homem contemporâneo.

Desde então vários historiadores a visitaram com a intenção de estudá-la e descrevê-la. Atualmente a caverna não pode ser visitada por turistas para evitar eventuais prejuízos às pinturas.

Pesquisas sugerem que esses desenhos datam de aproximadamente 17.000 anos atrás, embora existam outras pinturas rupestres muito mais antigas como as encontradas na gruta e El Castillo, na Espanha que datam de 40.000 anos atrás.

Marcas de mãos encontradas na caverna de Ell Castillo, na Espanha. A Arte Rupestre foi considerada uma das mais antigas do mundo, com 40.800 anos.

Precisamos pesquisar nas áreas arqueológicas, com alta concentração de registros rupestres, para que possamos falar de arte rupestre deste ou daquele grupo, que viveu em determinado período de determinada área, em determinadas condições de sobrevivência, configurando-se assim, a “história” de um grupo humano nos seus diferentes aspectos ecológicos, nos quais entrarão, também, os espirituais e estéticos, caso o registro arqueológico nos permita também chegar ao seu mundo simbólico.

Considrando-se que o homem tem mais de dois milhões de anos e que a arte pré-histórica começou há 30.000, podemos aceitar que a arte rupestre seja “uma arte moderna”, afirmativa aliás do conhecimento estético como são o pré-historiador Eduardo Ripoll, o pintor Juan Miró e o romancista Ariano Suassuna.

A imaginação humana e a sua capacidade de criar o pensamento abstrato nascem com a arte pré-histórica que, no Velho Mundo, coincide com o Paleolítico Superior, e que na América, com datas paralelas, corresponde à arte de caçadores-coletores.

As interpretações foram especialmente férteis nos casos em que os registros eram ricos em grafismos de conteúdo abstrato, com ou sem representações figurativas associadas.

A magia propiciatória da caça, o culto à fertilidade e a iniciação sexual têm sido os temas favoritos no registro figurativo. Interpretações cosmogônicas, linguagem codificada precursora dos verdadeiros hieróglifos, são interpretações corriqueiras nos grafismos puros.

Muitas dessas interpretações aproximam-se bastante da realidade, mas o problema está sempre no seu valor científico. Até que ponto elas são válidas para a identificação cultural dos grupos étnicos que foram seus autores?

O Brasil pré-histórico apresenta-se com tradições rupestres de ampla dispersão através de suas grandes distâncias e ampla temporalidade.

Patrimônio Cultural Mundial desde 1991, o parque Nacional da Serra da Capivara é um oásis na região semi-árida do sudeste do Piauí.

O registro arqueológico e, concretamente, o rupestre assim o indicam. As tradições rupestres do Brasil não evoluíram por caminhos independentes; os seus autores ou grupos étnicos aos quais pertencem, mantiveram contatos entre si, produzindo-se a natural evolução no tempo e no espaço que nos obriga a estabelecer as subdivisões pertinentes.

Podemos afirmar que o registro rupestre é a primeira manifestação estética da pré-história brasileira, especialmente rica no Nordeste.

O pintor que retratou nas rochas os fatos mais relevantes da sua existência, tinha, indubitavelmente, um conceito estético do seu mundo e da sua circunstância.

Foi precisamente nos sertões nordestinos do Brasil, onde a natureza é particularmente hostil à ocupação humana, onde se desenvolveu uma arte rupestre pré-histórica das mais ricas e expressivas do mundo, deonstrando a capacidade de adaptação de numerosos grupos humanos que povoaram a região desde épocas que remontam ao pleistoceno final.

No estado atual do conhecimento, podemos afirmar que três correntes, com seus horizontes culturais, deixaram notáveis registros pintados e gravados nos abrigos e paredões rochosos do Nordeste brasileiro.

A esses horizontes chamamos:

·         Tradição Nordeste

·         Tradição Agreste

·         Tradição São Francisco de pinturas rupestres, somam-se as tradições de gravuras sob rocha, conhecidas como Itaquatiaras.

·         Foram também definidas outras tradições chamadas “Geométrica”, “Astronômica”, “Simbolista”. Que podem ser incluídas nas anteriores.

Um abrigo tão privilegiado pela situação como a Toca do Boqueirão da Pedra Furada, teve ocupação longa, não intensa, o que parece ser a tônica dos abrigos rupestres do Nordeste.

Indicando que foram usados como lugares de culto e acampamentos temporários cerimoniais; a moradia dos grupos humanos seria em aldeias, fora dos abrigos pintados. Noutros casos foram utilizados simultaneamente como lugar de culto e cemitério.

O tipo de suporte e a estrtura são elementos essenciais e determinantes para se compreender o sítio rupestre e a sua utilização. Os abrigos localizados no alto das serras, ao longo dos rios, como é o caso da região do Seridó, nos sugere serem lugares cerimoniais, longe das aldeias, que deveriam estar situadas mais perto da água.

Já os sítios da Serra dos Cariris Velhos, entre a Paraíba e Pernambuco, situados em lugares da várzea, piemonte ou “brejos”, mesmo sendo também lugares de culto, nos dão a impressão de uma utilização habitacional, mesmo que temporária, ou talvez lugar de culto perto da aldeia do grupo.

A herança cultural explica-se também pela rede de comunicações através da qual se transmite a informação de geração em geração.

 

Anotação de aula:

Nela as respostas estão perdidas para sempre. Nunca vamos conseguir pensar como eles e entende-los. É muito antigo.

Os pesquisadores estudam sobre para se aproximarem de uma cronologia e seu objetivo.

As obras dessa época são apenas desenhos que nos permitem suposições, não há escrita.

 

A arte Romana

A arte romana teve sua maior notoriedade na arquitetura, através de edificações grandiosas.

Os Romanos preocupavam-se intensamente com aspectos voltados para a utilidade, a funcionalidade e a praticidade de suas obras artísticas.

A arte romana se destacou no período que foi do século VIII A.C. Ao século IV D.C. A arte da Roma Antiga foi fortemente influenciada pela cultura e pelas crenças gregas.

Um exemplo disso é a própria mitologia Romana, muito parecida com a mitologia Grega.

Foi através da arquitetura que a arte Romana conseguiu maior expressão e significação histórica.

Suas edificações eram grandiosas, fundamentadas em bases circulares e no emprego de colunas e arcos falsos para efeito de decoração.

Os Aquedutos, as entradas e as muralhas ainda hoje são vistos no continente europeu, demonstrando a imponência que traduziu, através dos tempos, a grandeza do que foi a civilização romana antiga.

Os Romanos preocuparam-se com o caráter funcional e prático de sua arquitetura. Houve, por isso, uma combinação harmônica entre a beleza e a utilidade nas mais variadas edificações romanas, como: teatros, basílicas, templos religiosos, palácios, estradas e pontes que interligaram as mais diversas regiões do império, facilitando o trânsito de pessoas e o tráfego de mercadorias para outras regiões.

A escultura romana foi trabalhada através de retratos e estátuas, muitas vezes apresentando uma característica fúnebre. Os escultores romanos buscavam a reprodução mais fiel possível da realidade em suas obras e centravam-se nos aspectos psicológicos, ou seja, a obra evidenciava o caráter, a honra e a glória do retratado.

 

 

Pós-Impressionismo & Expressionismo

 

Expressionismo

Pois eu os representei, tomei o lugar deles e transmiti sua imagem por meio de minhas visões. É a psique que fala. – Oskar Koroschka, 1912.

Van Gogh aparece aqui (A noite estrelada, 1889).

Origem:

Expressionismo é um termo que foi amplamente aplicado ao teatro, às artes visuais e à literatura no início do século XX e em várias acepções.

A obra de Paul Gauguin, de onde viemos? O que somos? Para onde vamos?

 

Expressionismo X Pós-impressionismo

·         Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930

·         As mudanças políticas ocorridas no final do século XIX, particularmente a fundação do Segundo Reich Alemão (1871)

·         Foram o pano de fundo no qual surgiram as sucessões, grupos artísticos associados à origem do expressionismo.

·         O Expressionismo é a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática, subjetiva, “expressando” sentimentos humanos.

 

Ideias

Jamens Enosr e Edvard Munch foram particularmente importantes como precursores espirituais, visionários que permaneceram fiéis à sua crença de que a arte deveria expressar a perturbação íntima diante de um mundo em que reinam a incompreensão e a negligência.

 

“O Grito, Edvard Munch – 1893”

“A natureza não é apenas o que é visível ao olho... Ela também inclui as imagens anteriores da alma.” – Edvard Munch

 

Tendências

Essas novas formas de arte, que faziam um uso simbólico e emotivo da cor e da linha era, em certo sentido, uma inversão do Impressionismo: em lugar de registrar uma impressão do mundo que o cercava, o artista imprimia seu próprio temperamento sobre sua visão do mundo.

Esse conceito de arte foi de tal modo revolucionário que “expressioismo”, se tornou sinônimo de arte moderna.

·         Cores violentas e temática de solidão e miséria;

·         Refletiu a amargura que invadia os círculos artísticos e intelectuais da Alemanha pré-bélica, bem como da Primeira Guerra Mundial (1914-1918) e do período entre-guerras (1918-1939)

·         Deforma-se a figura, para ressaltar o sentimento.

·         Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais.

·         O expressionismo revelou o lado pessimista da vida;

·         A Angústia existencial do indivíduo, que na sociedade moderna, industrializada, vê-se alienado, isolado.

·         Assim, mediante a distorção da realidade visavam impactar o espectador, checar ao seu lado mais emotivo.

·         O expressionismo costuma ser estendido como a deformação da realidade;

·         Para expressar mais subjetivamente a natureza e o ser humano;

·         Dando primazia à expressão dos sentimentos mais que à descrilão objetiva da realidade.

 

Expressionismo é arte alemã produzida por volta de 1909 a 1923

Dois grupos em destaque: A ponto e o cavaleiro azul

 

A ponte

Formado por quatro estudantes de Arquitetura, Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883 -

1970), Ernest Ludwig Kirchner (1880 – 1938) e Karl SchmidtRottluff (1884 – 1976)

Idealismo

Esses artistas eram jovens idealistas e estavam imbuídos da crença de que, por meio da pintura, poderiam criar um mundo melhor para todos.

 

·         Entendido desta forma, o expressionismo é extrapolável a qualquer época e espaço geográfico.

 

Principais características:

·         Pesquisa no domínio psicológico;

·         Cores resplandecentes, vibrantes, fundidas ou separadas;

·         Dinamismo improvidado, abrupto, inesperado;

·         Pasta grossa, martelada, áspera;

·         Técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo, empastando ou provocando explosões;

·         Preferência pelo patético, trágico e sombrio.

Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas, mas queriam levá-los mais longe.

 

O Cavaleiro Azul

Franz Marc, os Grandes cavaleiros azuis, 1911. A obra madura de Marc recorre a formas futuristas, com cores e jogos de luz ousados, a fim de criar imagens nas quais os animais se unificam com a natureza. Ele encara a pinntura como uma atividade espiritual.

Com sua ênfase às emoções subjetivas, as raízes do expressionismo se encontram no simbolismo e na obra de Vicent Van Gogh, Paul Gauguin e do Nabis.

Alguns historiadores denominam para esses pintores o movimento “Pós Impressionista”.

Mulheres no Expressionismo

Paula Modersohn-Becker (1876-1907), precursora na Alemanha.

Suas leituras de Nietzsche, sua amizade com o poeta Rainer Maria Rilke e seus contatos a influenciaram, e ela abandonou as visões sentimentais e idealizadas dos artistas de Worpswede para pintar retratos, autorretratos e cenas de mães com seus filhos, fazendo um uso simbílico da cor e dos padrões.

Paula Modersohn-Becker, autorretrato em seu sexto aniversário de casamento, 1906. A pintura era densa e ela recorria a cores suavizadas. Seus autorretratos e suas cenas de mães com filhos expressam ao mesmo tempo ternura e monumental simplificade. Ela morreu três semanas após dar à luz.

 

Misticismo

Emil Nolde (1867-1956), ele se interessava pela arte primitiva. Sua pintura combina ritmos simples, dinâmicos e cores dramáticas, obtendo efeito surpreendente. Sua arte gráfica, na qual explora os contrastes do preto e branco, é vigorosa e original.

Emil Nolde, Profeta, 1912: Nolde recorreu ao vigoroso contraste do branco com o negro, produzido pela xilogravura, para obter grandes efeitos. Ao recorrer a essa técnica ele se inspirou em parte em seus colegas mais jovens do grupo A ponte. O uso que faz da cor mostra uma veemência que o aproxima deles.

A última ceia e Pentecostes, 1909.

Oskar Koroschka, Austríaco. Noiva do vento (a tempestade), 1914: A tempestade retrata algo da apaixonada intensidade de seu relacionamento com Alma Mahler. Sua relação amorosa chegava ao fim, na época em que o quadro foi terminado.

Egon Shiele, Casal de mulheres (1915): A maestria que se nota no desenho de Schiele expressa vigorosamente o desespero, a paixão, a solidão e o erotismo. A crua sexualidade das figuras femininas o tornou um artista controvertido e muitos de seus desenhos foram confiscados ou queimados. Ele esteve preso durante algum tempo, em 1912.

 

·         Na arquitetura

Eric Mondelsohn, Torre Einstein, Potsdam, 1919-21.

A torre foi construída como símbolo da grandeza dos pensamentos de Einstein. O ínicio de seu projeto pode ser detectado nas cartas que Mendelsohn enviou ao front, durante a Primeira Guerra Mundial

 

Outras expressões:

- Dança, teatro, no Cinema (O gabinete do Dr. Caligari -1920)

 

·         No Brasil

Data de criação: 1927  - Mario de Andrade, Lasar Segall

Zulmira, 1928

Criança morta, 1944. Candido Portinar

Portinari, Retirantes – 1944

 

Curiosidades

Busto de Emil Nolde, artista que posou como vítima do nazismo, mas que foi um ardente apoiador de políticas antissemitas.

Ele deixou 900 Pinturas.

·         Vinha Encarnada, 1888: o quadro foi adquirido em Bruxelas por 400 Francos, por Anna Boch.

 

Hoje eu acordei expressionista: Inquieto, dramático e explosivo.

 

Dadaísmo

O bom é que não se consegue e provavelmente não se deve entender o dadá. - Richard Huelsenbeck, memórias de um percussionista Dadá, 1974.

Marcel Duchamp, Fonte, 1917, réplica 1963. O famoso mictório de porcelana de Duchamp, assinado “R Mutt”, levou o mundo da arte a se posicionar sobre sua tão propalada largueza de visão, ao mesmo tempo em que fazia um comentário instigaste sobre o peso que uma assinatura em avaliação de uma obra de arte.

 

O dadá foi um fenômeno internacional e multidisciplinar, e significou tanto ume stado mental ou modo de vida quanto um movimento.

 

Dadá é a vida sem pantufas e sem paralelas

·         Vanguarda moderna fundada em Zurique, em 1916, por um grupo de escritores e artistas plásticos, dois deles desertores do serviço militar alemão.

·         A palavra dada em francês significa cavalo de brinquedo

·         Sua utilização marca o non-sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem (como na língua de um bebê).

Os conceitos e ideias dadaístas se desenvolveram em Nova York, Zurique, Paris, Berlim, Hanover, Colônia e Barcelona, durante e após a primeira guerra mundial, à medida que jovens artistas se agrupavam com o intuito de expressar sua indignação pelo conflito.

Para eles, os horrores da guerra, em escala cada vez maior, provavam a falência e a hipocrisia de todos os valores instituídos.

Cabeça Mecânica: o espirito do nosso tempo (1920)

Eles se voltavam não só contra as instituições políticas e sociais, mas também contra o establishment da arte, que, numa sociedade burguesa, se alinhava ao desacreditado statuos quo sociopolítico.

Acreditavam que a única esperança para a sociedade era destruir aqueles sitemas baseados na razão e na lógica, substituindo-os por valores ancorados na anarquia, no primitivo e no irracional.

Ao recorrer deliberadamenta a táticas escandalosas, os dadaístas atacavam com violência as tradilões estabelecidas no campo da arte, da filosofia e da literatura, por meio de suas demonstrações, leituras de poesia, concertos de ruídos, exposições e manifestos.

Suas inicativas eram intencionalmente íntimas e de pequeno porte: no Cabaré Voltaire, em Zurique; na galeria Photo-Secession, de Alfred Stieglitz, no apartmento dos colecionadores Walter e Louise Arensberg; na Zaya’s Modern Gallery, em Nova York; e no Clube Dadá, em Berlim. Eles se reuniam nesses lugares para dar vazão a sua fúria e promover agitações, visando aniquilar o antigo e abrir caminho para o novo.

Edward Steichen, The Flatiron

O termo dadá foi criado em Zurique, em 1916. Os relatos conflitantes sobre a “descoberta” do termo se enquadram à perfeição no espírito dadaísta.

O poeta Richard Huelsenbeck (1892-1974) alegava, com total ênfase, que ele escolheu essa nomeação ao acaso, com o pintor e músico Hugo Ball (1886-1927), encontrando-a em um dicionário alemão-francês.

Jean (Hans) Arp (1887-1966) aproveitou a chance para ser um pouco mais irônico:

Aqui declaro que Tristan Tzara encontrou o termo em 6 de fevereiro de 1916, às seis horas da tarde. Eu estava presente, com meus doze filhos, quando Tzara pronunciou essa palavra pela primeira vez, o que nos encheu de entusiasmo. Isso ocorreu no Café de La Terasse, em Zurique, e eu usava um brioche em minha narina esquerda.

Eles escolheram como base, o Cabaret Voltaire, numa região degradada de Zurique.

Jean, (Hans) Arp. Colagem feita segundo as leis do acaso, 1916 Arp recorreu ao acaso para aniquilar o passado. “Buscamos uma arte elementar que salve a humanidae da furiosa loucura de nossos tempos”.

Um relato de Tzara sobre uma apresentação noturna, 1916, não deixa dúvida quanto ao caos e à confusão dos eventos dadaístas: Resumo da festa: dança cubista, figurinos de janco, cada homem com seu grande tambor na cabeça, barulho [...] poema ginástico. Concerto de vogais, poema bruitista, poema estático arranjos químicos de ideias [...]. Mais gritaria, o grande tambor, o piano e o canhão impotente, trajes de papelão rasgados todos os presentes e se entregaram a uma febre puerperal (parto) interrompida.

Durante a guerra, um grupo de dadaístas fixou-se em Nova York, entre eles o francês Marcel

Duchamp (1887 - 1968), o cubano, nascido na França, Francis Picabia (1879 - 1953), o americano Morton Schamberg (1881 - 1918) e o americano Man Ray (1890 - 1977).

 

Receita para fazer um poema dadaísta – Tristan Tzara

·         Pegue um jornal

·         Pegue a tesoura

·         Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja dar a seu poema

·         Recorte o artigo

·         Recorte em seguida com atenção algumas palavras que formam esse artigo e meta-as num saco.

·         Agite Suavemente.

·         Tire em seguida cada pedaço após o outro

·         Copie conscienciosamente na ordem em que elas são tiradas do saco.

·         O poema se parecerá com você.

·         E ei-lo um escritor infinitamente original e de uma sensibilidade graciosa, ainda que incompreendido do público.

 

A Mona Lisa com barba e bigode – são ataques provocativos e iconoclastas a heróis incontestáveis do mundo da arte.

·         Qual o mistério por trás do sorriso da Monalisa?

·         Pergunte a Marcel Duchamp.

 

L.H.O.O.Q.

Que, em francês quando lido, assemelha-se com Elle a chaud au cul, que traduzido fica: ela tem fogo no rabo

 

Duchamp designou os objetos manufaturados que apresentava como readymades artísticos. Afirmava que sua seleção jamais era ditada pelo gosto, mas “baseada numa reação de indiferença visual”.

Em 1913, Marcel Duchamp decidiu colocar em seu ateliê, em Paris, uma roda de bicicleta fixada sobre um banco de madeira. Nascia assim um dos primeiros ready-mades, intitulado Roda de Bicicleta, que só ganhou esse status emm 1916.

O conceito dadaísta de deslocar os objetos de seu contexto familiar e apresentá-los como arte alterou radicalmente as convenções da arte visual.

Marcel Duchamp, Tonsura – 1921

 

Principais características do Dadaísmo

·         Fotomontagem oníricas;

·         Incorporação de materiais diversos;

·         Elementos mecânicos;

·         Inscrições humorísticas;

·         Expressões ridículas e burlescas.

 

A Mulher Monóculo, Francis Picabia, 1924, Coleção Simone Collinet, Paris.

 

A atividade dadaísta se intensificou após a Primeira Guerra Mundial, quando seus membros se dispersaram na Alemanha e em Paris. Huelsenbeck formou o Clube Dadá em Berlim.

Seu trabalho é caracterizado pelo fascínio em relação às máquinas e à tecnologia e a disposição em materiais já acabados. O caráter político de suas obras foi significativamente mais pronunciado do que dos dadaístas de Zurique ou de NY.

 

Dadaístas X Nazismo

Hannah Hoch, Recorte com faca de bolo, c 1919. As montagens de Hoch incluíam muitas vezes retratos de seus amigos ou de pessoas famosas. Ela, acima de tudo, abordava a experiência vivida pela mulher moderna.

Cenário da época: velocidade, tecnologia, urbanismo e industrialização

Na Feira de Berlim (1920), os satíricos dadaístas colocaram um manequim suspenso vestido como oficial alemão. (Imagem de Domínio Público)

Hannah Hoch e a revolução feminina, sua obra prenuncia a de artistas no final do séc. XX, Cindy Sherman.

Hannah Hoch e a resistência dadaísta ao nazismo.

Happy 62nd Birthday Cindy Sherman

Em 1921, muitos dos que haviam iniciado o dadá, incluindo Tzara, Arp, Ernst, Man Ray, Duchamp e Picabia, mudaram-se para Paris, onde inúmeros poetas se juntaram a eles: Louis Aragon, André Breton, Suzanne Duchamp.

O Elefante Celebes, 1921, óleo sobre tela. – Gallery Londres

A popularidade dos eventos junto ao público em breve transformou aqueles “antiartistas” em celebridades.

Conflito entre Tzara, Picabia e Breton dissolve o dadá. Embora dissolvido, sua atividade não cessou.

A influência do dadá revelou-se fundamental e duradoura. Graças à publicação, em 1951, da antologia The Dada Painters and Poets, organizada pelo pintos e escritor Robert Motherwell, o dadá foi alvo de renovada atenção.

A abordagem artística libertária e a ironia absurda conquistaram a imaginação de uma nova geração de artistas e escritores.

No entanto, seu legado mais abrangente e duradouro foram as atitudes de liberdade, irreverência e experimentação.

A apresentação da arte como ideia, a afirmação de que ela poderia ser feita a partir de qualquer coisa e o questionamento dos usos e costumes societários e artísticos modificaram irrevogavelmente a trajetória da arte.

Marcel Duchamp como as Rrose Sélavy – 1922

É possível ainda chocar?

 

Art Nouveau ou Arte Nova

Linha determinante, linha enfática, linha delicada, linha expressiva e unificadora. – Walter Crane, 1889.

 

Movimento das Artes e Ofícios (Arts & Crafts)

·         Movimento estético (segunda emtade do século XIX, Inglaterra que defendia o artesanato criativo como alternativa à mecanização e à produção em massa industrial.

·         Fez frente aos avanços da indústria e pretendia imprimir em móveis e objetos o traço do artesão-artista, que mais tarde seria conhecido como designer.

·         Teve influência no movimento francês art nouveau e é considerado por diversos historiadores como uma das raízes do modernismo no design gráfico, desenho industrial e arquitetura.

 

Belle Epoque

·         Período na história da Europa do final do século XIX (1871) à eclosão da Primeira Guerra Mundial (1914).

·         Inovações tecnológicas: o telefone, a fotografia, o telégrafo sem fio, o cinema, a bicicleta, o automóvel, o avião, inspiravam novas percepçõe da realidade.

·         O primeiro filme foi exibido em 1906.

·         Com seus cafés-concertos, balés, operatas, livrarias, teatros, boulevards e alta costura, Paris, a Cidade Luz, era considerada o centro produtor e exportador da cultura mundial.

·         A arte tomava novas formas com o Impressionismo e a Art Nouveau.

 

O Art Nouveau é o nome dado ao movimento internacional que se espalhou pela Europa e os Estados Unidos desde o final da década de 1880 até a primeira Guerra Mundial. Após os excessos e a preocupação vitoriana com estilos históricos, foi uma obstinada e bem-sucedida tentativa de criar uma arte verdadeiramente moderna, caracterizada pela ênfase na linha.

Vitrala para uma casa de chá, Charles Mackintosh, Glascow, Escócia.

 

L’Art Nouveau

Estilo que surgiu na Europa, 1890 e 1910.

Difundiu-se por diversos países.

Adquiriu nomes diferentes em cada um deles.

Foi um estilo estético aplicado essencialmente na arquitetura e em design de: cartazes, móveis, vitrais, joalheria, metais, têxteis e escultura.

·         Fosse chamado de “Jugendstil” (Estilo Jovem) na Alemanha, “Modernistas” na Espanha, “Sezessionstil” na Áustria, “Stile Liberty” na Itália ou “Style Moderne” na França, o Art Nouveau era facilmente reconhecível pelas linhas graciosas, exageradas e espiraladas, traços alongados formando arabescos e entrelaçamentos de folhagens e flores e graças a isso ficou conhecido também como “estilo floral”.

·         Existia na sociedade em geral o desejo de buscar um estilo que refletisse e acompanhasse as inovações da sociedade industrial.

 

Características

·         Uso de formas originais

·         Aplicação de novos materiais como o ferro e o vidro

·         Estilização de formas da natureza: animais, flores e vegetações

·         Cores suaves e tons pastéis.

 

·         Sua expressividade pode ser notada principalmente na arquitetura do século XX.

·         Além da decoração de mobiliários e interiores, também exerceu um importante papel na criação de joias, tecidos, objetos de vidro, cerâmica, bronze, ferro e prata.

 

Detalhe da Galeria Lafayette, Paris, França.

 

·         A sociedade aceitou novos objetos, móveis, anúncios, tecidos, roupas, joias e acessórios criados a partir de outras fontes: curvas assimétricas, formas botânicas, angulares, além dos motivos florais.

 

Exuberância decorativa, formas ondulantes e elegantes;

Detalhes dos vitrais do teto do Palau de la Musica Orféu Catalã.

Era industrqail quebra a autoridade das formas clássico-histórica;

Acessórios de iluminação de Mackintosh, sala de escola de arte Glasgow.

 

Pinturas e Artes Gráficas

Avanços tecnológicos na área gráfica, como a técnica da litografia colorida.

Principais Artistas da Art Nouveau:

·         Poster Biscuit, Lefreve Mucha

·         Alfons Mucha, foi símbolo da Art Noveau em Praga, República Checa.

Gismonda, 1894. O Cartaz, quase em tamanho natural, concebido para a peça Gismonda, em que trabalhava Sara Bernhardt, provocou comoção ao ser mostrado em Paris.

 

Publicidade, rótulos e revistas.

 

·         Cartaz de Alphonse Mucha, pintor tcheco. Seus desenhos eram difundidos desde rótulos para latas de biscoitos a cartazes.

·         Henri de Toulouse-Lautrec (1891)

·         O pintor Gustav Klimt interpretou a própria Art Nouveau em seus quadros

O beijo, Gusta Klimt, Museu Beldevere, Viena, Austria.

 

Com influência das gravuras japonesas, do barroco e do rococó francês.

Retrato de Adele Bloch I, Gustav Klimt, incialmente estava no Museu Beldevere em Viena. Atualmente existe uma briga judicial entre os herdeiros da retratada e o governo austríaco. Esse caso inspirou o filme “Dama Dourada”

 

Vidros e Cerâmicas

O Art Nouveau foi o primeiro movimento orientado exclusivamente para o design.

Mosaico de azulejos, de Gustave Donnay.

A fonte de inspiração primeira dos artistas é a natureza, as linhas sinuosas e assimétricas das flores e animais.

 

Émile Gallé

São famosos seus jarros de vidro, com linhas sinuosas, inspirados na natureza floral.

Formatos de folhagens e contornos sinuosos usados a exaustão, principalmente o formato do lírio aquátio;

Education, 1990. Painel de Louis Comfort Tiffany. Universidade de Yale, USA.

 

Arquitetura

Novos materiais e tecnologias favorecem essa ruptura radical;

Arquitetura dos séculos XVIII ao XIX foi de revivescência;

Vidro e ferro na decoração com motivos florais nas entradas do metrô de Paris.

Estações de Metrô de Paris. Projeto de Hector Guimard (1898-1904)

Villa Marjorelle, de Lucien Weissenburger. Nancy, França.

Projeto de Mikhail Eisenstein, 1903, Ruga, Rússia.

Hotel Central, Praga.

 

Antonio Gaudí

Na Espanha se destaca a casa Milá, pela ausência de linhas retas e planas, a construção parece moldado por algum material mole que depois seca. E as aberturas arredondadas sem simetria dão a sensação de algo gasto pela erosão.

Na Espanha, a busca de novas formas ganhou um caráter decorativo e fantasioso sem limites.

 

Portas e entradas.

Riqueza de detalhes nas portas e molduras.

- Josef Fanta, Praga

- Villa Marjorelle, Nacy – França

- Kamil Hilbert, Praga

- City Hall, Kecskemet, Hungria

- Interior do Grand Palais, Paris

- École de Nancy, projeto de Émile André

 

A decoração torna-se elaborada e exótica, as vezes mórbida;

O guarda-corpo de gerro trabalhados com motivos vegetais.

 

·         Belga Victor Horta

A linha tinha caráter decorativo e linear, tensa e elegante. Onde era desenvolvida uma ornamentação simbólica, independente da função estrutural do objeto.

Uso de gerro em linhas sinuosas com intenção decorativas no corrimão.

Casa Tassel – Bruxelas, 1893

 

O belga Henry van de Velde

Foi um dos maiores expoentes da arquitetura da Art Noveau e pioneiro da Bauhaus.

Casa “le Bloemenwerf”

Hector Guimard

Estação do metrô da Bastilha, Paris, ferro fundido e vidro. 1900.

 

O local onde a Art Noveau foi mais elegante foi na Escócia, em uma escola de Glasgow, principalmente pelo trabalho do arquiteto Mackintosh.

Esta presente em Lareiras, moveis...

 

Charles Rennie Mackintosh, cadeira, 1902. A obra teve uma reputação favorável no exterior, ao passo que na Inglaterra obras em estilo art noveau continental era considerada de mau gosto. Sua cadeira foi criada no ano da Exposição de Turim, da qual ele participou.

 

“A cada época a sua arte, a cada arte a sua liberdade”.

Frase na fachada do “Pavilhão de exposições da secessão de viena” projetado por Joseph Maria Olbrich.

 

Hoje acordei Art Nouveau: Elegante, Rebuscado e cheio de ornamentos

 

 

 

Surrealismo

Nada, a não ser maravilhoso, é belo. – André Breton, o que é surrealismo (1934)

 

Continuação do Dadaísmo. O surrealismo foi lançado pelo poeta francês André Breton (1896-1966) em 1924.

Em seu “Primeiro manifesto do surrealismo” (1924), Breton definiu o termo como “o pensamento que é expresso na ausência de qualquer controle exercido pela razão e alheio todas as considerações morais e estéticas”.

Inspirações de Breton:

Sigmund Freud (1856-1939), León Trótski (1879-1940) e os poetas conde de Lautréamont (Isadore Ducasse, 1846-80) e Arthur Rimbaud (1854-91)

“Tão belo como o encontro ocasional, em uma mesa onde se pratica a dissecação, de uma máquina de costura com um guarda-chuva”.

Em profundo contraste com o caos e a espontaneidade do dadá, do qual ele nasceu, o surrealismo sob a ação de Breton – ele foi apelidado “papa do surrealismo” – foi um movimento extremamente organizado com teorias doutrinárias.

Breton, com efeito, revolucionou a crítica de arte. A partir daí, o crítico como líder carismático de um grupo de vanguarda seria um figura familiar.

Em 1966, Breton já tinha visto o surrealismo transformar-se em um dos movimentos mais populares do séc. XX.

O otimismo dos surrealistas oferecia mais um contraste com o dadá que se empenhava na negação da arte.

Ettore e Andromaca, Giorgio Chirico.

Os surrealistas pretendiam nada mais, nada menos do que a total transformação do modo de pensar das pessoas.

Embora jamais tenha aderido formalmente aos surrealistas, Miró expôs com eles, e sua pintura ousada e delicada, repleta de vida imaginária, exibe com brilho a clássica transformação surrealista do real no maravilhoso.

Ao derrubar as barreiras entre seus mundos interiores e exteriores, ao modificar o modo como elas percebiam a realidade, o surrealismo liberaria o inconsciente, reconcilando-o com o consciente, e também livraria a humanidade dos grilhões da lógica e da razão, que até então haviam conduzido unicamente à guerra e a dominação.

Metamorfose de Narciso (1937) Dalí

Principais nomes: Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1977) e Jean (Hans)Arp (1887-1966), foram recrutados nas fileiras do dadá.

Outros nomes: Antonin Artaud (1896-1948), André Masson (1896-1987, Joan Miró (1893-1983), Yves Tanguy (1900-55) e Pierre Roy (1880-1950).

Crucificação, Salvador Dali, Coleção Chester Dale, Nova York, Estados Unidos.

Nos aos 20 e 30

·         Tristan Tzara,

·         Salvador Dali (1904-89)

·         Luis Bunuel (1900-83)

·         Alberto Giacometti (1901-66), Mata (Roberto Matta Echaurren, (1911-2002) e

·         Hans Bellmer (1902-75)

 

Outros nomes:

·         Rene Magritte

·         Pablo Picasso

·         Marc Chagall

·         Paul Klee

 

Mulheres em movimento:

·         Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón.

·         Leonora Carrington

·         Leonor Fini

·         Jacqueline Breton

·         Meret Oppenheim

 

Grande influência

A influência mais importante exercida sobre o surrealismo tenha sido a de Freud. O inconsciente, os sonhos e inúmeras teorias freudianas fundamentais usadas pelos surrealistas como repertórios de imagens reprimidas, a serem exploradas à vontade.

Eles se interessavam sobretudo pelas ideias de Freud relativas ao medo da castração, aos fetiches e ao sinistro.

Os surrealistas inspiravam-se nesas ideias de muitas maneiras:

- Em sua tentativa de criar estranhesa quanto ao que era familiar;

- Em suas experiências com a escrita e o desenho automático, em seu uso do acaso e de estranhas justaposições;

 

A tela a óleo pintada por Magritte foca apenas no olho humano esquerdo superdimensionado, com um zoom muito apurado evidenciando cada elemento da estrutura ocular.

 

Em seu conceito da mulher devoradora; e na sua ruptura das fronteiras – entre os gêneros, entre o homem e o animal e entre a fantasia e a realidade.

Na obra surrealista, o amor do dadá pelas máquinas transformou-se em medo autômato desumanizador, em horror aos mortos que voltam à vida; máscaras, bonecas e manequins são imagens recorrentes. As fotografias de Bellmer, de bonecas desmembradas, por exemplo.

 

Surrealismo Orgânico...

 

Surrealismo Onírico

Aborda sentimentos inquietantes, tais como medo, o desejo e a erotização.

 

Fotógrafos em cena:

·         Bellmer

·         Brassaï (1899 – 1984)

·         Jacques-André Boiffard (1902-61)

·         Raoul Ubac (1909-85)

·         Henri Cartier Bresson (1908-2004)

 

No Brasil

Especificamente o surrealismo reverbera em obras variadas como as de Ismael Nery e Cicero Dias, assim como nas fotomontagens de Jorge de Lima.

 

Hoje acordei Surrealista: lúdico, irracional e fora da realidade.

 

Cubismo

A arte não é a verdade. A arte é uma mentira que nos ensina a compreender a verdade. – Pablo Picasso

 

A verdade está além de qualquer realismo e a aparência das coisas não deveria ser confundida com sua essência. – Juan Gris.

 

·         Historicamente originou-se na obra de Cezanne;

·         Para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.

·         Os cubistas passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano

·         É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador

·         A atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso com fidelidade com a aparência real das coisas.

·         O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas.

·         Não representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos.

·         Representa-se como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes.

·         Picasso deixa o espectador em um ponto fixo de visão, mas como se ele pudesse visualizar, através do ponto fixo, todos os ângulos de visão.

 

Principais características

- Geometrização das formas e volumes;

- Renúncia a perspectiva

- O claro-escuro perde sua função;

 

Picasso deixa o espectador em um ponto fixo de visão, mas como se ele pudesse visualizar, através do ponto fixo, todos os ângulos de visão

 

As duas fases do cubismo

Cubismo Analítico (1909)

- Caracterizado pela desestruturação da obra em todos os seus elementos

- Decompando a obra em partes, registra todos os elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a visão total da figura, examinando-a em todos os ângulos no mesmo instante.

- A fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer pessoa nas figuras cubistas. A cor se reduz aos tons de castanho, cinza e bege.

 

Cubismo Sintético (1911)

- Reação a excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura

- Essa tendência procurou tomar as figuras novamente reconhecíveis

- Também chamado de colagem porque introduz letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas.

- Essa inovação pode ser explicada pela intenção do artista em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as sensações táteis

 

Pablo Picasso (1881-1973)

Fase azul (entre 1901 e 1904)

- Representa a tristeza e o isolamento provocados pelo suicídio de Casagemas

- Monocromia (Moça em camisa), também representa a miséria e o desespero humanos.

Fase rosa (1904-1907)

- O amor por Fernande origina muitos desenhos sensuais e eróticos

- Paixão de Picasso pelo circo, iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim

Depois de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não pintava ou esculpia de acordo com as tendências de um determinado movimento estético, mas com uma intuição visceral.

 

- Em 1907, com a obra Les Demoiselles d’Avignon começa a elaborar a estética cubista

- Se fundamenta na destruição de harmonia clássica das figuras e na decomposição da realidade.

 

“Pinto as coisas como as imagino e não como as vejo.” Pablo Picasso.

 

Georges Braque – (1882-1963)

- Iniciou a sua ligação às cores, na empresa de pintura decorativa de seu pai

- Em 1907, conheceu Picasso com quem se deu quase diariamente até que em 1914 devido a Guerra se separaram

- Viaduto em L’Estaque, 1908

“[Braque] desprea a forma e reduz tudo, paisagem, figuras e casas, a padrões geométricos, a cubos”, afirmou o crítico Vauxcelles em 1908.

 

Tarsila do Amaral (1886-1973)

- Não expôs na semana de 22

- Colaborou decisivamente para o desenvolvimento da arte moderna brasileira

- Produziu um conjunto de obras indicadoras de novos rumos

- Em 1928, deu início a uma fase chamada Antropofágica

 

Rego Monteiro (1899-1970)

- Um dos primeiros artistas brasileiros a realizar uma obra dentro da estética cubista

- Estudou em Paris, depois da semana de arte moderna, sua vida alternou-se entre a França e o Brasil

- Foi reconhecido também naquele país, tem seus quadros dentro do acervo de alguns importantes museus.

 

Hoje acordei cubista: desproporcional, bagunçado e sem perspectivas.

 

Impressionismo

Papel de parede, em seu estado embrionário, é mais bem acabado do que aquela marinha. – Louis Leroy (1874)

 

Claude Monet, Impressão, Sol Nascente.  Museu Marmottan, Paris.

 

*Louius Leroy, um critico desdenhoso, dá ao grupo o nome de “impressionistas”.

 

Fala de Monet:

“Eles queriam saber com qual título ela iria figurar no catálogo, pois na realidade não poderia passar por uma vista de La Havre. Retruquei: “Usem impressão”. Alguém adotou então a designação “impressionismo”, e foi a partir daí que a coisa começou a ficar divertida”.

 

Nascimento 1875

*Joven artistas de Paris, frutraos com exclusão de suas obras dos salões oficiais. Reunem-se para sua própria exposição no estúdio do fotógrafo Félix Nadar. São 30 pintores.

Fundam: Société Anonyme des Artistes Peintres Sculpteurs, Graveurs.

 

Impressionismo:

·         Caráter de esboço;

·         Aparente falta de acabamento do trabalho;

·         Objeções dos primeiros críticos;

·         Eram estas qualidades que justamente os críticos mais tarde apreciavam como vigor.

A academia promovia os ideiais da Renascença, que o tema da arte deveria ser nobre ou instrutivo e que o valor de uma obra de arte poderia ser julgado por sua “parecença” descritiva com os objetos naturais.

O que unia esse grupo de artistas diversos era sua rejeição ao establishment da arte e seu monopólio sobre o que podia ser exposto.

Entre 1874 e 1886, realizaram oito exposições independentes, hoje famosas, e que chamaram imediatamente a atenção do público.

- Registrava as tonalidades que os objetos adquiriam ao refletir a luz solar num determinado momento;

- As cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol;

- As figuras não devem ter contornos nítidos – a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens;

- As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam;

-  E não escuras ou pretas, como os pintors costumavam representá-las no passado.

- Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares;

- As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor;

- Devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas;

- O observador – ao admirar a pintura, combina as várias cores, obtendo o resultado final;

- A mistura deixa de ser técnica para óptica.

 

Claude Monet

Nasceu em 1840, em Paris e morreu em 1926, em Giverny. Incessante pesquisador da luz e seus efeitos. Pintou vários motivos em diversas horas do dia. Estudo das mutações coloridas do ambiente com sua luminosidade.

 

Pierre-Auguste Renoir

Limores, 25 de fevereiro de 1841 Cagnes-sur-Mer, 3 de dezembro de 1919. Ganhou popularidade e chegou mesmo a ter reconhecimento da crítica, ainda em vida. Seus quadros manifestam otimismo, alegria e a intensa movimentação da vida parisiense do fim do século XIX.

Corpo feminino: formas puras e isentas de erotismo e sensualidade. Preferia os nus ao ar livre. As composições com personagens do cotidiano, os retratos e as naturezas mortas.

 

Edgard Degas

Paris, 19 de julho de 1834 – Paris, 27 de setembro de 1917. Sua formação acadêmica e sua admiração por Ingres fizeram com que valorizasse o desenho e não apenas a cor. Foi pintor de poucas paisagens e cenas ao ar livre.

Os ambientes de seus quadros são interiores e a luz é artificial; grande preocupação em flagrar um instante da vida das pessoas, aprender um momento do movimento de um corpo ou da expressão de um rosto.

Grande preocupação em flagrar um instante da vida das pessoas, aprender um momento do movimento de um corpo ou da expressão de um rosto.

 

Marcas

·         Revolucionário: interesse em captar a impressão visual de uma cena, em pintar aquilo que o olho via, no lugar daquilo que o artista sabia, prática de trabalhar ao ar livre.

 

Monet dominava: um trabalho espontâneo, no lugar de um trabalho calculado – marcou uma ruptura definitiva com os temas e os procedimentos até então aceitos.

Manet rejeitva o ponto de fuga único em favor da perspectiva natural e seus temas, ilegíveis ou incompletos na aparência, subverteram deliberadamente os ideais clássicos.

Ele também transgrediu a hierarquia dos gêneros, ao retratar em grandes escalas temas “insignificantes”, e, acima de tudo, insistiu em retratar a experiência contemporânea.

Quando Olympia (1863) foi exposto, em 1865, os críticos conservadores ficaram escandalizados com sua abordagem de um tema tradicional (o nu feminino).

 

Crise Impressionista

Muitos artistas começaram a sentir que, ao tentar captar a luz e a qualidade efêmera da atmosfera, eles haviam levado longe demais a erosão da figura e, a partir desse momento, o movimento se diversificou. Renoir, por exemplo, voltou-se para um estilo mais clássico de pintura da figura.

Monet tornou suas figuras mais sólidas e adotou então uma abordagem mais analítica à percepção visual.

Suas pinturas da estação ferroviária, que combinam e constrastam a moderna arquitetura da estação com a nova e amorfa atmosfera modernista (do vapor), têm sido qualificada como as mais representativas pinturas impressionistas.

 

Mulheres impressionistas

Berthe Morisot e Mari Cassatt foram as duas mulheres mais destacadas a expor com o impressionismo. O uso que elas faziam da linha e da liberdade pictórica e a escolha de cenas íntimas como tema demonstram afinidades com a obra de Monet e Degas.

 

No Brasil

Eliseu d’Angelo Visconti (Giffoni Valle Piana, 30 de julho de 1866 – Rio de Janeiro, 15 de outubro de 1944). Não se preocupava mais em imitar modelos clássicos; Procura registrar os efeitos da luz solar nos objetos e seres humanos que retrata em suas telas. Ganhou uma viagem à Europa, onde teve contato com a obra dos impressionistas. É considerado o maior representante dessa tendência na pintura brasileira.

 

Legado

O impacto causado pelo impressionismo não pode ser subestimado. Suas ações e experimentos simbolizaram a rejeição as tradições artísticas e aos julgamentos de valor da crítica. Os futuros movimentos de vanguarda seguiriam seu exemplo e defenderiam a liberdade artística e a inovação. Ao pintar a “visão” – não aquilo que se enxerga, mas o que significa ver – eles foram os arautos no modernismo, iniciando um processo que revolucionaria o conceito e a percepção do objeto artístico.